29 марта 2021
5
Русская музыка 2.0
Текст
        
Любовь Лёга
Фотографии
        
Александра Муравьева; пресс-служба фестиваля «Территория»

«Русская музыка 2.0» — это программа поддержки современной академической музыки, запущенная Aksenov Family Foundation в 2020 году. Главная цель проекта — обновление традиций отечественной композиторской школы и презентация ее лучших достижений в России и за рубежом.



Восемь современных русских композиторов написали восемь совершенно новых академических произведений. Отчётный концерт лауреатов «Русской музыки 2.0» состоялся осенью 2020 года на фестивале «Территория» и запомнился в том числе как одно из немногих, по объективным причинам, музыкальных событий этого сезона.



Лауреатов премии выбирает специально собранный международный экспертный совет. По словам Дмитрия Аксенова, основателя Aksenov Family Foundation, такой подход помогает создать в России экосистему для новой академической музыки и вывести её на международный уровень. В экспертный совет вошли: обозреватель Издательского дома «Коммерсантъ» Юлия Бедерова (Россия), композитор, профессор Гаагской консерватории Яннис Кириакидес (Нидерланды), директор Московского ансамбля современной музыки Виктория Коршунова (Россия), композитор, лауреат Национальной театральной премии «Золотая Маска» Сергей Невский (Германия/Россия), музыкальный и театральный критик Дмитрий Ренанский (Россия), композитор, профессор Гарвардского университета Хая Черновин (США/Израиль), дирижер, основатель ансамбля Questa Musica Филипп Чижевский (Россия).



В 2020 году первыми лауреатами программы стали: Марк Булошников, Дмитрий Бурцев, Олег Гудачев, Дарья Звездина, Даниил Пильчен, Алексей Сысоев, Борис Филановский и Александр Хубеев.



Композитор и музыкальный обозреватель Антон Светличный называет проект «воплощенной в жизнь творческой утопией», поскольку в нем практически отсутствует «кураторская рамка». Само название «Русская музыка 2.0» ни к чему не обязывает. Композиторы не ограничены тематикой, жанром, концепцией — условия только технические: продолжительность от десяти до двадцати минут и максимум 8 исполнителей.

По замыслу режиссёра концерта Дмитрия Волкострелова событие приобрело специальный формат — трехчастный концерт-марафон на стыке музыки, перформативных и визуальных практик. Исполняли произведения Московский ансамбль современной музыки (МАСМ) и ансамбль Questa Musica под управлением Филиппа Чижевского.

Таким образом, имеет смысл слушать (и смотреть) четырехчасовой концерт, как концептуальную импровизацию — рассматривая каждую часть и каждого композитора в отдельности.

Александр Хубеев (1986)
«Не выходи из комнаты»
2020, мировая премьера

В 2015 году Александр Хубеев стал победителем Gaudeamus, одного из самых престижных композиторских конкурсов в мире. Также Александр был участником Венецианской биеннале и многих других фестивалей и конкурсов, считается «амбассадором русской музыки» на Западе. Творчество Александра Хубеева отличает интерес к экспериментам, он использует необычные материалы для создания звука из классических музыкальных инструментов. Кроме того, для записи партитур композитор использует собственную систему знаков, которые необходимо читать в комплексе с инструкцией по организации пространства — какой участник и инструмент где должны располагаться. Иногда в схему добавляется центральный перформер, как и в случае с его новым произведением «Не выходи из комнаты» — человек посреди сцены произносит или показывает текст стихотворения Бродского на жестовом языке. Сочинение воспринимается уже на трех уровнях — аудиальном, визуальном и ментальном, поскольку каждый слушатель, скорее всего, имеет свой личный опыт восприятия этого поэтического текста.

Дмитрий Бурцев (1992)
«Revisité»
2020, мировая премьера

Композитор и аккордеонист-экспериментатор, учился в Московской консерватории, как отмечает Дмитрий Ренанский, играет «на радикальном фланге музыкальной сцены», сотрудничает с Электротеатром Станиславский и курирует проекты импровизационной музыки. Как сам автор говорит в интервью, пьеса опирается на барочные формы и отсылает к конкретным произведениям и авторам, но в то же время её нельзя назвать стилизацией. Антон Светличный именует стиль этой вещи «гипербарокко» и приводит свою трактовку. Музыка становится легкой, практически невесомой, поскольку существует только в средне-высоком регистре и отсылает к образу утраченного рая. Солирующим элементом здесь является рояль, который никак не может воссоединиться с хором остальных инструментов. «Внешняя гармония оборачивается историей о невозможности коммуникации: рай здесь, рядом, но в него не проникнуть, повторный визит (см. название пьесы) оборачивается драмой недостижимости».

Борис Филановский (1968)
«Aria tutti»
2020, мировая премьера

Борис Филановский во многом повлиял на развитие современной академической музыки в России. Он был художественным руководителем eNsemble Института Про Арте и сооснователем композиторской группы «Сопротивление материала», сотрудничал с Теодором Курентзисом, Кириллом Серебренниковым и другими, организовал множество проектов и конкурсов для молодых композиторов, таких как «Пифийские игры», в которых принимали участие многие другие лауреаты проекта “Русская музыка 2.0”. В 2019 году придумал и запустил проект Direct music, который предлагает по-новому строить коммуникацию между композитором и обществом — любой желающий может сделать заказ на эксклюзивное музыкальное сочинение, получить партитуру и услышать, как оно будет сыграно.
Музыка Филановского устроена сложно, очищена от эмоций и провоцирует слушателя внимательно следить за ходом мысли, распутывать синтаксические зависимости внутри неё самой. Как пишет Антон Светличный, «ей ничего от тебя не нужно, она не пытается тебе помогать — и в силу этого временами может быть довольно невыносима». Не каждый способен выдержать такой диалог один на один.

Даниил Пильчен (1995)
«До одиннадцати песен»
2020, мировая премьера

По собственному утверждению, композитор разрабатывает «эстетику постиндустриального отчуждения в сфере академической музыки». Окончил Московскую консерваторию и один из лучших музыкальных вузов Европы — Гаагскую консерваторию. Писал музыку к спектаклям Электротеатра «Станиславский» и «Школы современной пьесы», сфера его интересов — от современного театра до нойзкора (музыкальный жанр, стремящийся уничтожить любую форму гармонии и красоты).

«До одиннадцати песен» — это часть серии пьес, в которой музыкантам нужно синхронизироваться на отдельных событиях, есть единая партитура, но каждый сам заранее решает, когда начать и закончить играть свою часть. Внешнему наблюдателю эта музыка может показаться странной, непонятной, в силу того, что слушатель не знает внутренних инструкций и как бы исключен из процесса.

Олег Гудачев (1988)
«Before you slip into unconsciousness»
2020, мировая премьера

Известен как импровизатор-мультиинструменталист, играет примерно на десяти музыкальных инструментах, один из самых востребованных театральных композиторов Петербурга — его музыка звучит в спектаклях Александринки, Театра имени Ленсовета, а также новосибирского «Старого дома». Олег Гудачев известен и за рубежом — в 2020 г. стал резидентом дрезденского центра искусств Hellerau. Как утверждает сам автор, композиция «Before you slip into unconsciousness» выросла из нескольких тактов песни The Doors «The Crystal Ship». Впрочем, точка отсчета здесь не так важна, это многомерное самостоятельное произведение на пути от импровизации к композиции. Разобраться в партитуре (кому-то кроме автора) довольно сложно, она, скорее, напоминает дневник или заметки для себя. «Перед композитором клубится некая непознаваемая звучащая хтонь» — и его задача организовать это звучание, сделать музыкальный поток сознания приемлемым для слушателя.

Марк Булошников (1990)
«Morendo»
2020, мировая премьера

Композитор из Нижнего Новгорода, куратор концертов, лекций и мастер-классов, посвященных новой музыке, основатель NoName Ensemble. Впервые стал известен в 2012 году, после премьера оперы «Марево» в Приволжском филиале ГЦСИ, в соавторстве с Кириллом Широковым и арт-группой «ПровМыза». Марк Булошников считает, что стоит «сочинять музыку, не сочиняя ее» и одновременно с этим «нужно позаботиться обо всем на свете» — и о содержании, и о том, чтобы сделать равным сосуществование участников в ансамбле. На первый взгляд простая пьеса состоит множества тонких технических деталей, важна их последовательность. Атмосфера внутри создается за счет того, что на фоне инструментов низкого регистра ярко выделяются эпизоды рояля. В целом, «композитор предлагает отнестись к каждому следующему звуку максимально бережно».

Дарья Звездина (1990)
«Angel»
2020, мировая премьера

Выпускница Московской консерватории, композитор-резидент дрезденского центра искусств Hellerau, сотрудничала с мастерской новых форм танца «СОТА» Дины Хусейн, вместе с Даниилом Пильченом и Кириллом Широковым стала соосновательницей арт-группы «ДэКа», принимала участие в новопроцессуальном проекте (имеется в виду спектакль, беспрерывно происходящий на протяжении нескольких дней) Бориса Юхананова «Золотой осел». Сочинение «Angel» можно назвать самым радикальным в программе конкурса — в нем ничего не происходит вместе, четыре инструмента играют исключительно по очереди, каждый одну ноту. Но музыкальным событием внутри пьесы становится как раз не эта нота, а то, что ей сопутствует — саундтрек у флейты, видеоряд, движения исполнителей, микрозвуки. Слушатель вынужден слушать минималистичную на первый взгляд пьесу на пределе концентрации. Создается впечатление, будто автор стремится обратить внимание слушателей на о, что обычно остается невидимым, лежит за рамками первичного восприятия.

Алексей Сысоев (1972)
«Don't Whistle, Masha!»
2020, мировая премьера

Экс-участник знаменитых групп «Михей и Джуманджи» и Bad Balance, выпускник Московской консерватории, лауреат «Золотой маски» за лучшую работу композитора (2013 год, проект «Полнолуние» фестиваля «Территория»), автор музыки к театральным постановкам Кирилла Серебренникова, Филиппа Григорьяна, танцевальной компании Gay&Rony Club (Нидерланды), а также к «Идеологическому дефиле» Вадима Захарова. Считается од одним из главных современных российских композиторов-импровизаторов. Разнообразие звуков в пьесе, сложность, нерегулярность ритмов, даже свисты — всё это будто бы разрушает изнутри чеховский текст (название отсылает к «Трем сестрам»), разбивает его на слоги, фонемы. Только в финальных кульминациях и текст, и весь ансамбль возвращаются к внятному синхронному звучанию, чтобы выхватить одну из чеховских деклараций и тем самым вернуть слушателя в реальность.

Поделиться
СКОПИРОВАТЬ ССЫЛКУ